martes, 25 de febrero de 2014

Reglas de composición en Street Photography

Esta entrada esta formada por el conjunto de post que publique en mi otro blog Fuji-Xperience, en los que enumeraba las que para mi son las principales reglas a la hora de componer en Street Photography

Una de las características fundamentales de la Street Photography es la inmediatez que es necesaria para captar ese momento único e irrepetible, que supone la esencia de esta disciplina.

Esta particularidad puede parecer que no deja lugar al cuidado de la composición y si bien hay estilos dentro de la Street que priman el captar el momento, también se puede optar por trabajar este tipo de fotografía de forma más "cuidada", entiéndase por "cuidada" el buscar algo más de armonía compositiva.


Si durante todas las entradas de este blog insisto en que hay muy pocas reglas que sean inamovibles en fotografía, en este caso insisto en ello, todo es una cuestión de gustos y estilos. No es mejor o peor el trabajar la composición en estas tomas, simplemente depende del estilo, mayor control significa emplear algo más de tiempo en la toma lo que repercute en un estilo más pausado.

Si bien en esta entrada se explicaron las principales reglas compositivas, esto se hizo atendiendo a su aplicación en fotografía de paisaje y paisaje urbano. Aunque algunas de ellas son comunes a las que se pueden aplicar en la fotografía callejera, en ocasiones su aplicación varía ligeramente o incluso en esta disciplina existen particularidades a la hora de componer.

En esta serie de entradas enumeraré las que a mi entender son las principales reglas con positivas en esta disciplina.

CUIDA EL FONDO

Este es un concepto que debemos tener siempre muy presente en cualquier tipo de fotografía y que es aplicable también a la street. Fondo cuidado no sólo aportará valor estético a la foto sino que será una herramienta fundamental para conseguir fotos con alma.

Cuando hablo de fotos con alma quiero decir fotos que transmita sensaciones alejándose de las típicas fotos de recuerdo o planas. Pero no sólo desde ese punto estético que ya hemos comentado, sino como un medio para reforzar la importancia de elementos o permitir jugar con contrastes de luz, texturas... Que hagan preguntarse cosas a la persona que mira nuestra foto. En muchas ocasiones una buena foto aporta más preguntas que respuestas al espectador, esto da profundidad a nuestra obra. Recomiendo encuadrar intentado que los fondos sean lo más limpios posible, vacíos, carentes de elementos que puedan distraer la atención de el/los protagonistas de nuestra toma... Respecto a si queremos fondos claros u oscuros dependerá de la idea que queramos plasmar por ello la posibilidad de provocar contraluces siluetas y efectos similares en nuestras fotos.

Pero esta es sólo la regla que utilizo al adecuarse más a mi estilo. Otros fotógrafos buscan justo lo contrario, lo que podríamos denominar un fondo de caos.

Es tu elección el trabajarlos en un sentido u otro pero siempre ten en cuenta lo fundamental de los fondos para conseguir una buena toma.



Esta segunda entrada en referencia a la composición en street fotografía y trata sobre la importancia del número impar en las composiciones

EL NÚMERO IMPAR

Como ya comentamos en la anterior entrada en el blog estas reglas compositivas no son tanto un elemento que se busque sino una forma de explicar y poder entender porque funciona una fotografía. A diferencia de lo que ocurre en la disciplina de paisaje en la street photography no tendremos más de uno o dos segundos para componer y captar la toma por ello es imprescindible considerar estas reglas,que yo creo importantes, en la medida justa, más como una herramienta para entender que como una regla que debamos perseguir de forma prioritaria en nuestras salidas fotográficas.

Soy de la opinión de que se asimilan de forma automática viendo fotos que funcionan por tener estas reglas implícitas. De tal manera que, finalmente de forma instintiva, buscaras las mismas en tus tomas.





La regla del número impar es común a la totalidad de las disciplinas fotográficas. El número impar y en concreto el tres es mágico en el mundo fotográfico. La presencia de tres elementos principales en la toma, o de un equilibrio de luces en sucesiones impares que otorguen ritmo (esto lo veremos en próximas entradas) otorgan a la fotografía una mayor fuerza.

Compositivamente las fotografías en las que se destacan tres elementos principales o al menos un número impar de ellos tienen mucha más fuerza y profundidad visual.




Esto guarda relación con una regla que en paisaje es fundamental y es la tendencia de nuestra mente a encontrar figuras geométricas que faciliten la digestión de la toma la más simple es el triángulo y por lo tanto se necesitan de tres elementos para formarlo. Como suelo explicar nuestra mente es vaga y busca simplificar todo.


Continuando con las reglas de composición aplicadas a la disciplina Street Photography en esta entrada voy a repasar el un recurso que nos ayudara a dar dinamismo y profundidad a nuestras tomas. Este recurso no es otro que él aprovechar las líneas que el escenario nos presenta para generar dinamismo y la profundidad que comentábamos antes.

APROVECHAR LAS LÍNEAS

Como es lógico estas líneas pueden presentarse de forma obvia, como pueden ser las marcas viales o de forma implícita como puede ser la que forma un contraste de luz o un el perfilado de los edificios.

Trabajar con las líneas en diagonal es algo sencillo y a pocas fotografías que hayamos lanzado conseguiremos guiar estás a puntos de fuga y dar profundidad a nuestras tomas.

Ahora bien en la realidad existen líneas verticales y horizontales. El trabajo con estas puede depender del estilo del cada uno pero en todo caso son un recurso que requiere de un mayor grado de visión fotográfica. Este es uno de los recursos que mayor grado de dificultad suele suponer, así me lo demuestran las personas que acuden a mis Workshops de Street Photography.

Como breve apunte, tener en cuenta que las líneas verticales aceleran el recorrido de la vista, es decir mal empleadas harán que la persona que ve nuestra foto "salga" de ella. Esto es lo peor que le puede pasar a un fotógrafo, que sus fotos tengan una vida de dos segundos a los ojos del espectador. Por su parte, las líneas horizontales son un obstáculo al recorrido natural de la vista por lo que son especialmente delicadas en fotografía. La combinación y equilibrio entre las mismas es difícil de conseguir pero si se logra los resultados son realmente buenos. En Street Photography esto es aplicable.

Como he indicado en varias ocasiones en esta serie y en especial en la que inauguraba la misma, las reglas compositivas que enumero e estos artículos son de aplicación relativa en la Street Photography.


Continuando con esta serie de artículos sobre la composición en la fotografía de calle, hoy toca tratar el RITMO EN LAS FOTOS.

Insisto una vez más en que las reglas de composición en esta disciplina son relativas por la naturaleza de la misma y la inmediatez y rapidez necesaria para captar ese momento único. Por ello estos artículos no deben ser tratados como el de las reglas de composición en paisaje donde debemos intentar jugar con ellas bien para seguirlas o para romperlas. En esta serie enumero las reglas que complementan a las detalladas en ESTE ARTÍCULO o se adaptan a las características de esta disciplina, y cuyo conocimiento nos ayudará no tanto a aplicarlas de forma concienzuda en el momento de disparar sino a entender porque ciertas fotos funcionan. Con el tiempo y la práctica, si conocemos estos conceptos los terminaremos asimilando y aplicando siempre que sea posible de forma intuitiva.

La regla o concepto que protagoniza esta entrada tiene su exponente más claro en un fotógrafo que desarrollo su carrera en otra disciplina estamos hablando de Amsel Adams el cual dominaba este ritmo en la fotografía de forma magistral. Entonces ¿porque estudiarla como una posible herramienta de utilidad en esta disciplina fotográfica? Principalmente porque la fotografía está compuesta por diferentes disciplinas que están comunicadas entre si. Y en la fotografía de calle es importante siempre que podamos cuidar no sólo el sujeto o sujetos principales si no el fondo.

La combinación de estos elementos pueden conseguir un ritmo en las luces y las sombras, un patrón que una vez más, se sirva de la tendencia a "vaguear" o a simplificar (como bien apuntó un compañero en otra entrada de esta serie) que presenta nuestra mente.

 Como el concepto es un tanto complicado de explicar a continuación adjunto la foto que encabeza esta entrada indicando cómo se establece el ritmo entre luces y sombras en la misma.




La foto, eminentemente sencilla, es parte de una prueba que hice a una compacta de la marca Samsung pero que creo nos sirve perfectamente para ilustrar este concepto. En ella vemos como la sucesión entre claro y oscuro es regular. Recomiendo observar fotografías de Adams, quien, como ya he comentado, dominaba este concepto a la perfección y por lo sencillo de su fotografía nos será muy fácil identificar estos patrones, antes de analizarlos en la obra de fotógrafos de la propia Street Photography.

En todo caso recuerda, estas normas son más para comprender por que funciona una fotografia que para tenerlas de refererencia como si ocurre en la fotografia de paisaje por ejemplo, sólo la experiencia y el instinto que desarrollaras te harán "buscarlas" de forma instintiva con el tiempo... La magia de la Street su inmediatez.


En este caso los hermanos miran a la cámara y son las únicas personas perfectamente definidas

Hasta el momento en esta serie hemos enumerado una serie de reglas (que poco me gusta ese término en fotografía...) que no estaban directamente relacionadas con el sujeto principal.  Pues bien en este nuevo artículo trataremos sobre él.

IDENTIFICA AL SUJETO PRINCIPAL

En primer lugar caben un par de consideraciones.

Por un lado el que como siempre indico, estas reglas no son algo que tengas que tener siempre en mente cumplir cuando haces street, pero si conceptos que de poder aplicarlos pueden ayudar a que el resultado final sea mejor.

Por otro lado, en los estilos de ciertos fotógrafos, no existe un sujeto o grupo de sujetos concreto que sean los principales dentro de la foto. Este es el caso, por ejemplo, de Alex Webb. Este fotógrafo MAGNUM, se caracteriza por sus tomas "caóticas" en las que la presencia de multitud de escenas dentro de la toma llenan en muchas ocasiones la practica totalidad del encuadre. A mi personalmente no es el estilo de fotografía que mas me gusta, pero para gustos los colores.

Alex Webb fotógrafo de MAGNUM

Y tras esta introducción... al bollo...

Identificar al sujeto principal puede hacerse de varias formas. Esta claro que la máxima expresión de la identificación del sujeto principal es la FOTO DE CARNET. Fondo sin ninguna transcendencia (blanco) y el "bicho" bien centrado y mirando a la cámara... Pero claro si estas leyendo este artículo es casi seguro que lo que quieras sea que tus fotos sean propias de un fotógrafo y no las de alguien que hace fotos. Así que veamos como conseguir dar protagonismo a un elemento dentro de nuestras fotos.

Para ello existen varios recursos que se pueden aplicar de forma individual o varios de ellos en nuestras fotos, los fundamentales son:

Aislarlo del fondo. Un sujeto que este aislado del fondo siempre cobrara importancia en el encuadre, si además es el único entonces no habrá duda de que sera el que se lleve la mayoría de la atención de las personas que disfruten (o sufran ;-)) nuestra fotografía... Esto puede conseguirse, bien con el conocido desenfoque al utilizar correctamente las aperturas del diafragma o bien por que el sujeto suponga una ruptura muy acusada con el fondo o escenario de la toma. Esto puede conseguirse por ejemplo si el sujeto esta sustancialmente mas iluminado que el resto de los elementos del encuadre (aquí un buen flashazo hace milagros), o por que la tonalidad o temperatura del sujeto sean muy distintas. Estos último casos son en parte conceptos relacionados con el siguiente.


Romper el patrón. Si un elemento rompe con el "ritmo" o sistema que conforman el resto de elementos, ese sera el sujeto principal. Imaginemos una grada de un estadio de fútbol. Llena de hinchas en la que todos ellos lucen los colores de su equipo, pongamos azul. Si en medio de ellos hubiera un hincha del equipo contrario, vestido de rojo, ese seria el sujeto principal del plano. Un consejo, haz rápido la foto a semejante inconsciente :-)

Que te haga partícipe de la foto. Esto se consigue cuando un sujeto mira a la cámara. Eso hace que la toma sea abierta, ya que esa mirada sumerge al espectador en la toma y le hace participar de ella. Esa conexión que se establece entre el sujeto y el espectador es la que hace que sin lugar a dudas ese sujeto pueda ser el protagonista de la toma.

Por supuesto, que se den uno o varios de estos elementos con respecto a un sujeto dentro de una foto, no garantizan al 100% que sea el "principal" dentro de la foto, pero le da muchas papeletas. Como siempre, la fotografía tiene un elemento más que es el del talento algo que no se puede enseñar y sólo la practica puede desarrollar.


En esta ocasión la entrada que continúa con la serie de post relativos a las reglas de composición en Street Photography está estrechamente relacionada con uno de los parámetros fundamentales en la fotografía la velocidad de obturación.

Tradicionalmente se suele buscar congelar en la medida de lo posible el movimiento en esta disciplina fotográfica así una de las fotos icónicas en la historia de la fotografía representa el momento anterior a que un hombre rompa la superficie tranquila de un charco, como ya sospechas estamos hablando de la famosa foto de Cartier-Bresson.

Si has echado un ojo a mi blog y por lo tanto has visto mi estilo en esta disciplina habrás comprobado que éste está claramente influenciado por mi actividad como fotógrafo de paisaje. Por ello la composición y la idea de simplificar el mensaje en cada foto, es decir una foto un concepto, impregna la mayoría de mis fotos.

Volviendo al objeto de este post la velocidad de obturación es una herramienta que utilizo para afirmar mi estilo fotográfico.

Aprovechar el movimiento

Aprovechar el movimiento para contar una historia o como forma de dar protagonismo a los elementos que nos interesan.

Además de permitirnos congelar el movimiento de los sujetos podemos trabajar este en otro sentido.

Así por ejemplo podemos crear ambientes del todo ideales si realizamos una exposición lo suficientemente larga. 

La siguiente foto los únicos elementos estáticos son los edificios de la propia calle y la pareja de hermanos que puedes encontrar cada tarde desde hace más de 10 años en ese mismo lugar, si refuerzo la idea de lo inamovible de sus principios los cuales son una de las pocas cosas que no han cambiado en estos últimos 10 años.


Por el contrario en esta otra imagen el sujeto principal aparece del todo desfigurado por el movimiento. En este caso el recurso de la exposición se utiliza para hacer contrastar la figura de un mendigo que lleva sus pertenencias en un carro frente a las personas totalmente definidas que entran a un hotel de lujo. Esto refleja la situación de las personas que se encuentran en situación de exclusión social las cuales pasan a perder su identidad para la sociedad cuyo sistema establecido ignora a estas personas en gran medida.



Como referencia teórica os dejo un extracto de la entrada en la que resumía los trucos que todo fotógrafo debe manejar

La velocidad de obturación para congelar un objeto se suele decir que es 1/125 seg. Pero esto es muy relativo dependiendo de la dirección, proximidad etc...

Así para fotografiar un movimiento oblicuo al objetivo la velocidad debe ser de al menos 1/250 seg y 1/500 seg si el movimiento es perpendicular. 

¿Que causa tanta expectación?

Continuando con la serie de reglas de composición en Street Photo, en esta entrada trataremos un concepto que si bien no es de forma estricta un  concepto compositivo si que se puede traducir en una serie de pautas a aplicar a la hora de componer.

Este concepto, al igual que otros tratados en esta serie de entradas es común a buena parte de las disciplinas fotográficas.

Se dice que una buena fotografía es aquella que cuenta una historia, y muchos añaden, entre los que me incluyo, que aquellas fotos que hacen que el espectador se pregunte cosas también suelen ser grandes fotos.
Este principio traducido a la Street Photography, significa que debemos afinar a la hora de componer.
Un buen consejo es intentar que dentro del encuadre el "elemento" motivador de la "historia quede fuera. Por ejemplo, en la foto que encabeza esta entrada, no sabemos a que se debe la expectación de las personas que aparecen en la misma. Sin embargo la tensión y emoción que ese "algo" provoca queda patente en las caras de los adultos y en el hecho de que los niños se han encaramado a aquello que tenían disponible para saciar su curiosidad.

Video en el que podrás ver como se tomó la foto que encabeza esta entrada


Quizás la forma mas "simple" de provocar la búsqueda de respuestas por parte del espectador, es aquella en la que la foto se centra en un primer plano de una cara, un retrato cerrado en el que la pregunta es sobre la historia de esa persona. Esta práctica es habitual dentro de la Street Phorography, pero no es un tipo de fotografía que suela practicar. No va con mi estilo.  En este mismo sentido podemos encontrar esa fotografía que busca el "robado directo", la fotografía de "ombligo" como dice un buen amigo. Tampoco es una de mis practicas favoritas.

Además de las expresiones y emociones que reflejen los sujetos, podemos jugar con los elementos conductores de la fotografía para evitar "lo evidente", se trata de dar pistas pero no mostrar aquello que supone la base de la historia que se pretende contar. En este caso debemos utilizar las reglas de composición que ya hemos visto en entradas anteriores para conseguir el efecto deseado.



Privar de identidad al sujeto principal, otra forma de plantear preguntas. En este caso, este recurso se utiliza, para reflejar como un excluido pierde su identidad para buena parte de la sociedad al estar "fuera del sistema"

Es decir, si se quiere jugar con esta pauta compositiva, debemos jugar de forma sutil a dejar pistas al espectador pero evitando presentar la historia de forma directa. Es inevitable que en este caso, debamos "trabajar" mucho mas nuestras fotografías y huir de aquellas practicas que se centran en hacer un robado de una personas a 2 metros de distancia a cambio debemos decidir que historia contar y como hacer trabajar al espectador para descubrirla.

Sujetos enfrentados

En esta octava entrada, el concepto es quizás la excepción que rompe la norma.
Y es que si en general (como ocurre en las reglas de composición en paisaje) se debe buscar un cierto equilibrio un ritmo tonal, un patrón que haga fácil a la mente el interpretar la foto y por lo tanto ésta "funcione".

En este caso debemos tratar de romper el patrón, alterar la cadencia, introducir un elemento que sea claramente diferente al resto de los que aparezcan en la captura.

Esta "alteración" del patrón puede realizarse atendiendo a la forma, posición, color, o emociones que transmiten los elementos o sujetos de la foto.
En el caso de numerosos sujetos en la toma, captar esa ruptura del patrón puede ser tremendamente difícil o todo lo contrario. Una vez más debemos ser pacientes, ya que debemos captar una escena que transmita una pauta y a al vez romperla con uno de los elementos de la misma.

Subir-Bajar / Claro-Oscuro

Una variante de este concepto compositivo es la de "enfrentar", por denominarlo de alguna manera, a dos sujetos. De esta forma el contraste entre ambos establece el ritmo compositivo de la toma. Es importate que si se utiliza este recurso compositivo, los dos sujetos que protagonicen este "enfrentamiento" presentes la característica que les enfrenta de forma muy clara.

Si quieres ver como se tomó la foto que encabeza esta entrada, puedes hacerlo en este video


Esto es importante ya que todo el peso de la foto recaerá en esa "lucha", bien sea de color, forma, expresión, posición... por lo que no podemos jugar esta baza si el contraste entre ambos protagonistas es obvio y muy acusado.  Por una vez seamos "radicales" en fotografía. 

Cuando el espectáculo esta fuera del ring...

Llegamos a la novena entrega de las Reglas de Composición en Street Photography

Esta entrada se centra en la Teoría del Color. Podeís encontrar un artículo en el que explico el fundamento de esta regla de composición por denominarla de alguna manera, para leer este artículo pincha AQUI

Pero antes de entrar a comentar esta regla, deberíamos preguntarnos que se consigue al disparar en blanco y negro. Creo que puesto que la disciplina que nos ocupa (street photography) suele estar dominada por el blanco y negro, cabe comentar la razón, al menos aparente para suprimir el color de nuestras tomas.

La mejor forma de responder a una pregunta, es intentar simplificarla y llevarla a su esencia. ¿Que se consigue al fotografiar en blanco y negro? Eliminar el color.

Es decir, eliminamos un elemento de la naturaleza, ¿que implica esto? (seria la segunda pregunta que podríamos hacernos) Pues creo que es obvio que facilitar que una foto funcione.

Más allá del gusto personal y meramente estético (que es fundamental), al eliminar el color, el protagonismo de este lo toman las formas y las texturas. Además, desde el punto de vista de la creación de la foto, dejamos un elemento al libre albedrío, la "asignación" de color que cada sujeto hará a la foto para interiorizarla. Y es que en la mente de la persona que observa nuestra foto en blanco y negro, se produce de forma instintiva la asociación de colores  para asimilar la imagen. Esto se debe a que en el mundo real hay colores, y como animales que somos nuestro cerebro necesita procesar de forma comprensible para él. Esta es una de las razones por la que a todos nos atrae la fotografía en B&N, por que en realidad cada uno "termina" la foto a su gusto.

Bien, ahora que sabemos que en realidad una fotografía en color en Street Photography es mas dificil que llene (ya que al acercarla a la "realidad" puede caer en lo cotidiano de la calle de forma excesiva), debemos intentar jugar con los recursos que tengamos.

Esto incluye el intentar utilizar colores (en sus diferentes tonalidades) que sean complementarios, con ello la toma tendrá mayor atractivo visual. Insisto en que si quieres profundizar en este tema, considero bastante útil que le eches un ojo a ESTA ENTRADA




De esa manera podrás entender cuales con los colores complementarios e intentar combinarlos adecuadamente. Y claro, en una disciplina como el Street, donde no estamos en un entorno controlado, conseguir combinar con exito esos colores y que la escena captada sea atractiva es algo complicado... Pero no imposible ;-)

2 comentarios:

  1. Un blog muy interesante. Haré visitas de vez en cuando, saludos

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  2. interesante entrada y muy instructiva. la comparto!

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